lunes, 21 de agosto de 2017

Eros plus massacre. Única e irrepetible obra de vanguardia.


Título original:
Erosu purasu Gyakusatsu  
Año:
1969
Fecha de estreno:
14 de Marzo de 1970 (Japón)
Duración:
216 min
País:
Japón
Director:
Yoshishige Yoshida
Reparto:
Mariko Okada, Toshiyuki, Hosokawa, Yuko Kusunoki, Etsishi Takahashi, Kazuko Inano, Daijiro Harada, Kikuo Kaneuchi 

El director de la magnífica y vanguardista “Eros Plus Massacre” es uno de los máximos exponentes de la llamada “Nuberu Bagu”, la cuál fue una reacción a la “Nouvelle Vague” francesa. Algunos directores japoneses noveles querían hacer algo distinto al cine más convencional de los Mizoguchi, Kurosawa, Naruse o Yasujiro Ozu; es por eso que Francia y su nueva ola fue su principal referencia, para 1969 la nueva ola japonesa estaba más que consolidada y  Yoshishige Yoshida se consagró definitivamente con esta genial y personalísima obra.

viernes, 18 de agosto de 2017

Valerian y la ciudad de los mil planetas. La vuelta de Luc Besson a la 'space opera'.


Título original:
Valerian and the city of a thousand planets
Año:
2017
Fecha de estreno:
18 de agosto de 2017 
Duración:
137 min
País:
Francia / Estados Unidos
Director:
Luc Besson
Reparto:
Dane DeHaan, Cara Delevingne, Clive Owen, Rihanna, Ethan Hawke, Herbie Hancock, Kris Wu, Rutger Hauer
Distribuidora:
eOne


Cuando hablamos del mundo del cómic o historietas visuales, la mayoría siempre tenemos en mente Estados Unidos o Japón como mayores referentes en el género, pero no hay que olvidarse del cómic franco-belga, que supone el tercer mayor mercado mundial en este sector y el gran baluarte europeo. Revistas como Métal Hurlant, Spirou o Pilote nos dejaron clásicos como Lucky Lucke, Tintín, Astérix, Barbarella o autores que trascendieron más allá del medio, como Jean Giraud (Moebius). De aquí nace Valérian: agente espacio-temporal (posteriormente rebautizada como Valérian y Laureline), serie de historias de ciencia ficción creadas en 1967 por Pierre Christin y Jean-Claude Mézières. Lamentablemente su desconocimiento para gente ajena al mundo del cómic aún es muy grande a pesar de ser un referente de la ciencia ficción francesa y de haber influenciado a grandes obras del género posteriores, incluso en el cine. El caso más sonoro sería el de Star Wars (aunque George Lucas nunca lo admitiera).

jueves, 3 de agosto de 2017

Reparar a los vivos. Cuando la muerte no es el fin.

Título original:
Réparer les vivants
Año:
2016
Fecha de estreno:
4 de agosto de 2017
Duración:
105 min
País:
Francia
Director:
Katell Quillévéré
Reparto:
Tahar Rahim, Emmanuelle Seigner, Anne Dorval, Gabin Verdet, Bouli Lanners, Kool Shen, Monia Chokri, Alice Taglioni
Distribuidora:
Caramel



Para su tercer largometraje, la directora Katell Quillévéré ha optado por adaptar la novela homónima de Maylis De Kerangal superventas en Francia Reparar a los vivos (Réparer les vivants). Su interés parte del tema central del libro, la donación de órganos y, en especial, las connotaciones personales de cada uno de los implicados en el proceso que, en palabras de la propia Quillévéré "abren perspectivas científicas, poéticas y metafísicas" llevando a preguntas como "dónde termina la vida, qué es la muerte, qué es la vida o sobre la naturaleza simbólica de las partes de nuestro cuerpo".

viernes, 28 de julio de 2017

Diario de Greg: Carretera y manta. Mamá, quiero ser youtuber.


Título original:
Diary of a Whimpy Kid: The Long Haul
Año:
2017
Fecha de estreno:
28 de Julio de 2017 
Duración:
91 min
País:
Estados Unidos
Director:
David Bowers
Reparto:
Jason Drucker, Alicia Silverstone, Charlie Wright, Tom Everett Scott
Distribuidora:
Fox



Las películas de vocación exclusivamente infantil tienen una vida muy breve. Este tipo de cine debe impactar en su público objetivo de forma directa, sin rodeos, y para ello el recurso habitual es servirse de las modas de turno para ganarse a los chavales con su deseo más actual. ¿Y quiénes son los referentes de los niños hoy en día? Los youtubers. Generalizar es el pecado más antiguo, pero en este caso no cabe duda de que estos carismáticos jóvenes que se ponen delante de una cámara para contar su vida o sumergirse en videojuegos -estos son los que se hacen famosos, pero hay mucho más talento en YouTube que no recurre a ese tipo de contenido-, tienen enganchada a la nueva generación a su teléfono móvil. Así que los estudios estaban tardando en ponerse el camuflaje de modernos para mostrar a los youtubers como figuras de culto, como los mesías de nuestro tiempo.

jueves, 20 de julio de 2017

Kedi (Gatos de Estambul). La convivencia entre el hombre y el gato.


Título original:
Kedi
Año:
2016
Fecha de estreno:
21 de julio de 2017 
Duración:
80 min
País:
Estados Unidos / Turquía
Director:
Ceyda Torun
Reparto:
Documental
Distribuidora:
Avalon


Kedi (Gatos de Estambúl) es un documental bastante particular (¿un documental sobre gatos callejeros?) que consigue ingeniárselas para salir bastante bien parado, y no sólo para los friki-amantes de los gatos. Explicaba su directora, Ceyda Torun, en una entrevista que su documental es una carta de amor a estos gatos que acompañan desde hace muchísimos años a los turcos en su día a día y que cada vez se ve más amenazada por el crecimiento exponencial de la población turca. Tanto es el impacto y la simbiosis entre los gatos y los habitantes que casi se puede hablar que forman parte en cierta manera de la cultura del país. Y es que Turquía siente predilección por los felinos, desde la época otomana hasta el Islam (religión mayoritaría de Turquía), donde existen una leyenda muy extendida de que Mahoma tenía una gata llamada Muezza. Un día que Mahoma iba a rezar, la minina estaba dormida sobre la túnica de su dueño; Mahoma no queriendo molestarla, cortó con una tijera su túnica para que la gata siguiera durmiendo y así él poder ir a rezar. A su regreso la gata recibió al profeta con manifiesta alegría, algo que emocionó a Mahoma que otorgó a todos los gatos la gracia de caer de pie y de entrar en el paraíso.

sábado, 15 de julio de 2017

Twin Peaks: The Return. Is it future or is it past?




Cuando hacíamos un breve repaso de la Twin Peaks noventera allá por mayo, una de las interrogantes que planteamos fue cuál sería la identidad que tendría la tercera temporada, dado que estábamos en un momento diametralmente diferente a los 90: diferentes libertades creativas, diferente momento histórico de la televisión y un diferente Lynch, tanto en lo artístico como en su relación con el medio. No era difícil predecir que el resultado escaparía de lo normativo y que su relación con el renovado espectador televisivo sería particular, sin embargo nunca pudimos imaginar hasta qué punto. Pasadas las primeras 9 horas de la última obra maestra que dio la televisión norteamericana, vamos a centrar este primer análisis en dos ejes temáticos que, creo, condensan bien lo que nos ha dejado el revival de Twin Peaks en estos meses: hablaremos de todo lo que tiene que ver con una amorfa y desordenada narrativa que funciona a la vez como remedo de la narrativa de moda en la televisión, (una reedición al extremo del paródico enfoque que ya tenía en los 90) pero que también encuentra su razón de ser como refuerzo de la 'lógica' narrativa que la propia Twin Peaks fue poniendo en juego a partir de Fire Walk With Me y que no ha hecho más que enrarecer el cine lyncheano desde entonces. Un poco también diré sobre las nuevas formas de apropiación del “nuevo público” de esta “era dorada de las series” para con un producto tan particularísimo e inclasificable como el que nos ocupa. Todo lo hablamos sin spoilers, suponiendo que esa palabra tiene algún sentido en este caso.

martes, 11 de julio de 2017

La guerra del planeta de los simios. Batalla silenciosa.

Título original:
War for the Planet of the Apes
Año:
2017
Fecha de estreno:
12 de Julio de 2017 
Duración:
142 min
País:
Estados Unidos
Director:
Matt Reeves
Reparto:
Andy Serkis, Woody Harrelson, Toby Kebbell, Steve Zahn, Judy Greer, Gabriel Chavarria
Distribuidora:
Fox


El cine nos ha demostrado a lo largo de las últimas décadas que los avances tecnológicos no siempre implican mejoras en el resultado final. Todo queda más vistoso, más atractivo, pero debajo de tanto fuego artificial suele reposar un vacío insostenible. Sin embargo, hay una franquicia que ha sabido exprimir las posibilidades de innovadoras técnicas como el CGI. ‘El planeta de los simios’ empezó a escribir su historia cinematográfica en 1968, con sucesivas secuelas y revisiones que poco o nada aportaron al producto original, pero más de cuatro décadas después la saga revivió con un vigor esperanzador. En 2011, ‘El origen del planeta de los simios’ sentó las bases de un potente regreso, que tocaría techo en su secuela, ‘El amanecer del planeta de los simios’. Tres años después, los simios liderados por César, interpretado por un inmenso Andy Serkis, se encuentran inmersos en una inevitable guerra contra los humanos, la especie que están destinados a desplazar y sustituir.

viernes, 7 de julio de 2017

Estados Unidos del amor. Mujeres en soledad.

Título original:
Zjednoczone Stany Milosci
Año:
2016
Fecha de estreno:
7 de Julio de 2017 
Duración:
106 min
País:
Polonia, Suecia
Director:
Tomas Wasilewski
Reparto:
Julia Kijowska, Magdalena Cielecka, Dorota Kolak, Marta Nieradkiewicz
Distribuidora:
Golem



Los cineastas que tratan de incomodar al público son una valiosa especie en peligro de extinción. Normalmente se mueven por los márgenes de la industria, ya sea en Europa, Asia o Latinoamérica, y recurren a la imagen de una forma mucho más directa y visceral que sus colegas del mainstream. Pero el verdadero reto no es el de incomodar, sino el de resquebrajar la contemplativa y somnolienta mentalidad de la sociedad contemporánea, que reacciona de manera equiparable a una tragedia humanitaria que a un vídeo de un gato en peligro. David Fincher ya nos clavó el puñal con la subversiva 'El club de la lucha' y hay que darle crédito a aquellos que han seguido hurgando en la herida. En el caso de la última película de Tomasz Wasilewski, 'Estados Unidos del amor', nos encontramos con un nuevo intento de enfrentarnos a la amarga realidad que esconden los rostros de un sector reprimido de la población. 

Día de patriotas. Pausa en la tempestad.

Título original:
Patriots Day
Año:
2016
Fecha de estreno:
7 de Julio de 2017 
Duración:
133 min
País:
Estados Unidos
Director:
Peter Berg
Reparto:
Mark Wahlberg, John Goodman, J.K. Simmons, Michelle Monaghan, Kevin Bacon
Distribuidora:
eOne


La inmediatez es el atributo por excelencia de Hollywood. Al igual que las catástrofes humanas son fuente de inspiración para los productores sedientos de hechos reales que trasladar a la gran pantalla. Por eso cuando sucede una tragedia en terreno estadounidense los estudios americanos aceleran para encontrar el enfoque más respetuoso para explotar ese evento lo antes posible. Por supuesto, con el atentado acontecido en la línea de meta de la maratón de Boston en 2013 la dinámica no iba a ser diferente. Los encargados de materializar el proyecto han sido los componentes de una de las duplas más engrasadas y ágiles de la industria cinematográfica, la integrada por el director Peter Berg y Mark Wahlberg. 

Mujeres desencadenadas: The love witch + Prevenge.






Si ya de por sí el tema del feminismo y la representación de la mujer se ha discutido mucho este año a lo largo de varias producciones cinematográficas y televisivas, inquietudes que he traslado al blog en las últimas reseñas, los próximos estrenos de La Aventura nos pueden servir como el corolario de estas últimas semanas. Mientras Wonder Woman parece destinada a ser la película sobre mujeres hecha por mujeres de la que más se hable, nos vamos a permitir otorgarle un espacio a dos films que con las mismas características y mejores resultados artísticos, encuentran la forma de expresar su grito libertario subvirtiendo dos subgéneros dentro del terror: el sexploitation y el slasher.

miércoles, 5 de julio de 2017

Llega de noche. El terror atmosférico.


Título original:
It comes at night
Año:
2017
Fecha de estreno:
07 de julio de 2017 
Duración:
97 min
País:
Estados Unidos
Director:
Trey Edward Shults
Reparto:
Joel Edgerton, Riley Keough, Christopher Abbott, Carmen Ejogo, Kelvin Harrison Jr., Griffin Robert Faulkner
Distribuidora:
Diamond Films


Trey Edward Shults estrenó en 2015 Krisha, adaptación de un cortometraje del mismo director, con un presupuesto escaso (menos de 30.000 dólares, una parte recaudada por Kickstarter), con la mayoría del reparto no profesional (familiares del director) y rodada en apenas nueve días. Pero Shults demostró ser un alumno aventajado, ganándose a la crítica con su primera película.
Este viernes se estrena Llega de noche (It comes at night), su segundo largometraje, y con ella demuestra que su talento no es flor de un día.

martes, 4 de julio de 2017

Better Call Saul. Temporada 3. Desmontando a Atticus Finch





Lo dejo caer siempre que reseño una serie y ahora mismo no será excepción: la “era dorada de las series” es un concepto que lejos de implicar un momento de gloria para la calidad artística de la producción televisiva indica un momento de irrupción violenta de la lógica industrial en este nicho que supo prometer una alternativa muy fuerte a lo que se estaba convirtiendo el cine mainstream norteamericano. Aburro diciéndolo siempre, pero me arriesgo; es necesario remarcarlo cuando toca hablar de una serie como Better Call Saul, una de esas representantes de la verdadera buena televisión estadounidense. Y si nos ponemos a pensar, era fácil fallar con el spin-off de Breaking Bad tanto como era fácil vaticinar un desastre que sólo buscaba recoger más ganancia del fenómeno masivo de la serie madre (no es casualidad que el término spin-off sea un concepto devenido del mundo empresarial), sin embargo Gilligan ha sabido direccionar el show hacia nuevos espacios y nuevas interrogantes completamente desafiantes para el espectador. ¿Qué es Better Call Saul? Cometimos el error que sería una vez más la historia de un hombre echándose a perder en su tambaleante camino entre el bien y el mal (esa esperada transformación de Jimmy en Saul), para finalmente descubrir que lo que vemos en realidad es la historia de un hombre conociendo y aceptando su propia naturaleza. La figura de Atticus Finch, protagonista de Matar a un Ruiseñor, aparece allí como referencia poética para desmontar el mito del abogado bueno y eliminar de la ecuación la inútil dicotomía entre el bien y el mal.

viernes, 30 de junio de 2017

En este rincón del mundo. Luciérnagas evanescentes.

Título original:
Kono sekai no katasumi ni
Año:
2016
Fecha de estreno:
30 de Junio de 2017 
Duración:
128 min
País:
Japón
Director:
Sunao Katabuchi
Reparto:
Animación
Distribuidora:
Selecta Visión




La animación japonesa consigue prácticamente siempre funcionar como cápsula de la idiosincrasia de su país. El folklore, las tradiciones, el estado de ánimo… Todos los elementos que hacen únicos a los nipones se incluyen a base de trazos que huyen de los procesos de animación estadounidenses. Aquí no hay tridimensionalidad ni personajes cuya única función sea ser adorables, sino que se persigue reflexionar sobre eventos concretos y desarrollar las dinámicas, normalmente familiares o sentimentales, entre personajes delicadamente humanos. En este rincón del mundo cumple con esas características, ya que refleja una de las etapas más complejas por las que ha pasado Japón en la historia reciente sin traicionar los valores inherentes a su cultura.

Aurora (Jamais contente). La edad del pavo.

Título original:
Jamais Contente
Año:
2016
Fecha de estreno:
30 de junio de 2017
Duración:
90 min
País:
Francia
Director:
Emilie Deleuze
Reparto:
Pauline Acquart, Philippe Duquesne, Alex Lutz, Patricia Mazuy, Léna Magnien, Tessa Blandin, Raphaelle Doyle
Distribuidora:
Vercine



Llevando por bandera unas muescas de cinismo cuyo cenit tiene lugar en el último tercio da película, Aurora (Jamais contente), se presenta como una versión naif de las dramedias adolescentes americanas. Una visión realista y nada amable del mundo adolescente desde la perspectiva de una chica de 13 años, la Aurora del título, en plena edad del pavo. Rebelde, contestona y desafiante a la autoridad paternal/maternal, Aurora es una adolescente normal enfadada con el universo adulto. Desde la primera escena donde la chica se presenta con una voz en off como alguien "feo" e impopular, entendemos la declaración de intenciones en los derroteros de la película: vamos a transitar una época de inseguridad y cambios de humor.

Colossal. Introspección a lo grande.


Título original:
Colossal
Año:
2016
Fecha de estreno:
30 de Junio de 2017 
Duración:
109 min
País:
Estados Unidos, Canadá, España, Corea del Sur
Director:
Nacho Vigalondo
Reparto:
Anne Hathaway, Jason Sudeikis, Dan Stevens, Tim Blake Nelson, Austin Stowell
Distribuidora:
Versus Entertainment


Las películas de Nacho Vigalondo nacen siempre de un concepto muy definido. En el caso de su cuarta película, Colossal, por fin ha tenido la oportunidad de desarrollar una idea con un presupuesto razonable. El realizador cántabro ha jugado con la ciencia ficción con esta dramedia protagonizada por Anne Hathaway, que encarna a una joven desorientada en su vida, con demasiado gusto por la bebida para paliar su insatisfacción profesional y personal. Hasta ahí no se intuye la innovación por ningún sitio, pero la gran novedad llega cuando la peculiar heroína de la cinta descubre que tiene un vínculo especial con un monstruo que aparece ocasionalmente en Corea del Sur. Una locura conceptual que llega a nuestro país casi un año después de su paso por el Festival de San Sebastián, cuando las esperanzas de que fuera a proyectarse en los cines españoles ya se habían mermado.

jueves, 29 de junio de 2017

Verano 1993. Un punto y aparte.


Título original:
Estiu 1993
Año:
2017
Fecha de estreno:
30 de junio de 2017 
Duración:
96 min
País:
España
Director:
Carla Simón
Reparto:
Laia Artigas, Paula Robles, Bruna Cusí, David Verdaguer, Montse Sanz, Isabel Rocatti, Fermí Reixach
Distribuidora:
Avalon


Este viernes se estrena Verano 1993, la ópera prima de Carla Simón, que viene precedida por su éxito en el pasado Festival de Berlín, donde ganó dos premios. Es posible que leas muchos elogios (merecidos) sobre esta película, pero ninguna palabra o crítica refleja realmente esa naturalidad y desparpajo que desprende la película. Es algo que hay que ver.

miércoles, 28 de junio de 2017

Ellas son cine - Africanas vistas por africanas





Del 3 al 7 de julio, en la Sala Berlanga de Madrid (c/ Andrés Mellado, 53) tendrá lugar el ciclo Ellas son Cine, 5º edición de la fundación Mujeres por África, que dedican al audiovisual más reciente dirigido por mujeres. 

Desde la misma fundación, nos presentan así el ciclo:

Desde la primera edición del ciclo en 2013, hemos buscado reflejar la identidad, la resistencia y la reivindicación de un cine cercano y sincero, con relatos y personajes cargados de incertidumbres y contradicciones, pero también de valentía y luchas compartidas.  

Con esta muestra no sólo se utiliza el cine como una herramienta para abordar cuestiones sociales de dramática actualidad, sino también para mostrar un lenguaje personal y original cada vez más instaurado, a través del que estas cineastas arrojan luz sobre sus historias, sociedades y personajes, liberándolos de muchos de los estereotipos acerca de sus países y de las mujeres que los habitan. 

Con la quinta edición de Ellas son Cine esperamos, un año más, ofrecer un breve panorama del cine realizado por directoras africanas, en el que la condición femenina se manifiesta a través de mujeres plurales, fuertes, complejas, reales. Una muestra dedicada a las cineastas que recuperan y reivindican la fuerza y diversidad del continente africano y sus mujeres. 


Jassad gharib, de la tunecina Raja Amari, aborda la relación entre dos mundos y dos clases sociales a través de una mujer francesa y una joven tunecina que llega ilegalmente tras huir de la Revolución de los Jazmines.   

Children of the Mountain, de la ghanesa Priscilla Anany, refleja la lucha de una madre soltera por la supervivencia de su hijo, nacido con labio leporino.  

La nigerina Rahmatou Keïta nos traslada al seno de una familia aristocrática del Sahel en Zin’naariyâ! La vuelta de una joven a su hogar tras haber vivido en Francia, hace que se reencuentre con sus raíces y la identidad de su pueblo.

Nawara , de la egipcia Hala Khalil, es una historia cotidiana que nos muestra los deseos de libertad de una joven que trabaja para conseguir su independencia económica en un Egipto prerrevolucionario con un agitado clima social.

Meg Rickards nos traslada a la Sudáfrica contemporánea en Tess , una historia urbana y sincera sobre una joven prostituta que trata de superar las dificultades que le impone su día a día.

 Programación:


Lunes 3 de julio, Jassad gharib - Corps étranger (Raja Amari) a las 19.30h
Martes 4 de julio, Children of the Mountain (Priscilla Anany) a las 19.30h
Miércoles 5 de julio, Zin'naariyâ! - The wedding ring (Rahmatou Keïta) a las 19.30h
Jueves 6 de julio, Nawara (Hala Khalil) a las 19.30h
Viernes 7 de juilo, Tess (Meg Rickards) a las 19.30h

La proyección del lunes será gratuita, las restantes a 3€ cada una.



Enlances de interés:
Fundación Mujeres por África
Sala Berlanga

martes, 27 de junio de 2017

The Handmaid's Tale. Miedos del pasado hechos presente





Para muchos la nueva serie de Hulu, The Handmaid’s Tales, es la serie del año y de las mejores del último tiempo. A mí que siempre me ha gustado poner paños fríos cuando explotan estas reacciones a lo largo y ancho de las redes sociales, me resulta imposible negar que la ficción basada en el libro de Margareth Atwood tiene todos los elementos que requiere una ficción de éxito en estos tiempos: el tema es de candente actualidad en Estados Unidos (el triunfo de los sectores más añejados de la sociedad de la mano de Trump ha generado miedos en esta dirección); la distopía machista que retrotrae la sociedad a cierto oscurantismo, sumado al hecho de que la obra literaria en que se basa es de los 80, permite discutir el feminismo en base a fórmulas menos polémicas y con menos capacidad de molestar a alguien; y además la producción es de primer nivel, siendo la pomposa puesta en escena lo que más le da cierto barniz de producción importante. Es obvio que, al igual otras series hermanas que han sido criticadas por mí como American Gods y Westworld, es una serie que está comercialmente preparada para que un público muy específico la reciba con vítores y la difunda como producto de diferencial calidad. Más allá de que siempre soy enemigo de estas tendencias de la industria, y más allá de que no estoy nada de acuerdo con quienes dicen que estamos ante una serie de calidad extraordinaria, creo que The Handmaid’s Tale sí logra ser un producto valioso dentro de estos límites y que está muy bien que se la esté levantando como bandera de la causa feminista en el más feminista de los años de producción televisiva norteamericana.

viernes, 23 de junio de 2017

Maudie, el color de la vida. Pinceladas de pasión.

Título original:
Maudie
Año:
2016
Fecha de estreno:
23 de Junio de 2017 
Duración:
115 min
País:
Canadá
Director:
Aisling Walsh
Reparto:
Sally Hawkins, Ethan Hawke, Gabrielle Rose, Kari Matchett, Zachary Bennett
Distribuidora:
Karma Films



La teoría del todo nos mostró recientemente que el declive físico que va ligado a una enfermedad degenerativa no implica necesariamente un hundimiento emocional. Maudie, el color de la vida se adentra con mayor precisión en esa delicada tesis y su gran atractivo es una fascinante pareja protagonista que se esfuerza por encontrar la comodidad en la situación marginal en la que han quedado recluidos. Esta película canadiense, cuarto largometraje (para la gran pantalla) de la cineasta irlandesa Aisling Walsh, aprovecha el inconmensurable talento de Ethan Hawke y Sally Hawkins para exponer una compleja situación, en la que priman los obstáculos emocionales de dos personajes terriblemente apartados del núcleo social.

sábado, 17 de junio de 2017

Unbreakable Kimmy Schmidt. Temporada 3. No tan inquebrantables






En la actual coyuntura política de los Estados Unidos, con un presidente polémico que parece estar dispuesto a abrir debates que la sociedad creía ya superados, son muchas las reivindicaciones sociales que han encontrado en el cine y la televisión su más importante medio de expresión contra las políticas de estado. Las mujeres y el feminismo no iban a ser la excepción y han dicho presente con series importantes este año como la adaptación de la distopía literaria de Margaret Atwood por parte de Hulu, The Handmaid’s Tale, y también la más sutil e incómoda Feud: Bette and Joan. Por lo particular de 2017, esperábamos con ansias lo que tuviera que decir una de las feministas más ácidas y reconocidas del medio, Tina Fey, cuya “Unbreakeable Kimmy Schmidt” no tocaba el tema de la mujer directa y exclusivamente pero no por ello dejaba de ser un compendio de todas las ideas de la mente de su autora. La misma promoción parecía apuntar que venían grandes emociones al respecto. Sin embargo, si una palabra puede definir la nueva tanda de episodios de nuestra querida Kimmy sería tibieza, una sorprendente tibieza por parte de una Fey que tantas veces fue tan incómoda con sus comentarios. Ha sido tibia la comedia, que ha visto un retroceso importante en varios capítulos más allá de lo brillante de otros; se ha debilitado el lugar de la protagonista, finalmente abducida por el carisma de sus compañeros de reparto; y sobre todo ha sido tibio el mensaje de lucha que transmite, revelando la faceta más lamentablemente burguesa de sus ideas feministas. De estas tres cosas estaremos hablando en los próximos párrafos.

domingo, 11 de junio de 2017

19º Festival de Cine Alemán - Victoria por tocado, Decoder y Somos el diluvio




Ya nos estamos acercando al fin de esta 19º edición (ayer fue nuestro último día, a pesar de que oficialmente cierra hoy domingo). Hemos visto Las flores de antaño, Algol y El día más hermoso, Marija y Destino Espacial:Venus y ayer tuvimos un fuerte cúmulo de sensaciones: desde la mejor hasta la fecha, el experimento más loco hasta la peor. Todo en un día.

jueves, 8 de junio de 2017

El sueño de Gabrielle. Hacia la locura por amor.

Título original:
Mal de pierres
Año:
2016
Fecha de estreno:
09 de junio de 2017
Duración:
120 min
País:
Francia
Director:
Nicole Garcia
Reparto:
Marion Cotillard, Louis Garrel, Àlex Brendemühl, Brigitte Roüan, Victoire Du Bois, Aloïse Sauvage
Distribuidora:
Festival


Encuadrada en la sección oficial del Festival de Cannes de 2016, la actriz y directora Nicole Garcia presentó El sueño de Gabrielle, su último trabajo tras las cámaras -hasta la fecha-, con una recepción un tanto fría. Y es que el trabajo de la francesa adolece de una concepción clasicista del drama de la protagonista, tanto a nivel formal como del relato, con unas connotaciones letárgicas aún a pesar -o quizá a causa de ello- de un final con vuelta de tuerca incluida.

19º Festival de Cine Alemán - Algol, la tragedia del poder y El día más hermoso



Tras el comienzo del 19º Festival de cine alemán de Madrid con Las flores de antaño, ayer pudimos ver dos propuestas bastante distintas. Por un lado, expresionismo alemán de 1920 pero con mensaje más actual imposible. Por otro, una comedia dramática de toque más comercial sobre enfermos terminales. Realmente ninguna de las dos propuestas me sedujo como era de esperar, pero mejor vamos por partes.

miércoles, 7 de junio de 2017

19º Festival de Cine Alemán - Inauguración: Las flores de antaño



Empieza un año más el Festival de cine alemán de Madrid, su 19º edición ya. En esta ocasión, cambia de sede, tras el cierre de los Palafox. Se mudan al Palacio de la prensa, junto a la céntrica Plaza de Callao, para traernos deutsch geschmack (espero no haber metido la gamba) a los paladares de los cinéfilos madrileños. La película elegida para la apertura ha sido Las flores de antaño (Die blumen von gestern) de Chris Kraus, de quien ya se pudo ver su película Cuatro minutos (Vier minuten) en anteriores ediciones del festival.

sábado, 3 de junio de 2017

Master of None. El amor en tiempos de diversidad y libertad




Ya a finales de 2015 el norteamericano de raíces indias, Aziz Ansari, había sorprendido con una propuesta de inigualable frescura a todos esos usuarios de Netflix que nos empezábamos a aburrir del camino dañinamente industrialista que dominaba el hacer televisivo de la plataforma. Con el antecedente de la “Unbrekeable Kimmy Schmidt” de Tina Fey, Netflix construía, quizá sin darse cuenta, un nicho para las comedias independientes que hoy se cuentan orgullosamente entre lo más interesante que han dado en cuanto a producciones originales (“Easy” de David Swanberg y “Lady Dynamite” de María Banford son imprescindibles para cualquier seriéfilo). Sin los focos apuntando hacia ellas (Daredevil y demás series superheroicas), sin la consigna de atraer mediante el impacto (13 Reasons Why), sin la obligación de recuperar altísimos presupuestos (la malograda Sense8) y sin grandes estudios de mercado delineando su desarrollo (Strangers Things), las comedias de Netflix se centraron más en las inquietudes personales de sus autores, las cuales las convirtieron en productos más minoritarios pero de incontestable interés. Pero pocos podían prever que aquél germen plantado por el comediante de origen indio, esa pequeña serie que hablaba de las relaciones amorosas basado en la experiencia y vasto conocimiento del autor (escribió un libro sobre el tema junto al sociólogo Eric Klinenberg) podía dar el salto definitivo en cuanto a apuesta formal que necesitaba para ser reconocida como fenómeno: el resultado es la primera obra maestra de Netflix y una ficción que apunta seriamente a compartir el panteón junto a series como Los Sopranos.

jueves, 25 de mayo de 2017

Wilson. El sociópata que buscaba madurar.


Título original:
Wilson
Año:
2017
Fecha de estreno:
26 de mayo de 2017
Duración:
94 min
País:
Estados Unidos
Director:
Craig Johnson
Reparto:
Woody Harrelson, Laura Dern, Isabelle Amara, Judy Greer, Cheryl Hines, James Saito, Mary Linn Rajskub
Distribuidora:
Fox


Como si de una travesura vital se tratase, en la gran pantalla asistimos a encontrarnos, algunas veces, con unos personajes deslenguados, gruñones y desencantados con la vida en los albores de la tercera edad pero con un corazón tan henchido que les falta espacio en el pecho. Son unos antihéroes antipáticos pero románticos. Con quienes puedes conectar. Cómo olvidarse del adorable viejo mezquino interpretado por Bill Murray en St. Vincent, un hombre de coraza desagradable que se convertía en el protector e instructor de un niño pseudo desamparado. Y, más o menos, la esencia de irreverencia y bondad pretende encarnarla Wilson (Woody Harrelson) en la peli homónima.

miércoles, 24 de mayo de 2017

Las películas de mi vida. Oda a una cinematográfia.


Título original:
Voyage à travers le cinéma français
Año:
2016
Fecha de estreno:
26 de mayo de 2017 
Duración:
190 min
País:
Francia
Director:
Bertrand Tavernier
Reparto:
Documental,  Bertrand Tavernier, Jacques Becker, Jean-Paul Belmondo, Marcel Carné, Claude Chabrol, Raoul Coutard, Jean Gabin, Jean-Luc Godard
Distribuidora:
Sherlock Films / A Contracorriente films


Bertrand Tavernier, a sus 76 años, tiene mucho que contarnos sobre el cine francés. Como director ha dirigido casi una treintena de películas, entre las que se encuentran obras como El juez y el asesino, La muerte en directo, Alrededor de la medianoche, Capitán Conan u Hoy empieza todo, entre otras. Pero, sobre todo, Tavernier es un cinéfilo de largo recorrido. A los seis años quedó impactado con Dernier atout, de Jacques Becker, mientras estaba internado por tuberculosis en el sanatorio de Saint Gervais. Su pasión por el cine comenzó en ese mismo momento y hoy día sigue tan vigente como para llevarle años realizar este documental de tres horas de duración, donde repasa las películas de su vida, a la vez que nos sirve como hermoso homenaje al cine clásico francés.

viernes, 19 de mayo de 2017

Déjame Salir. La verdadera rebeldía hecha cine



Título original:
Get Out
Año:
2017
Fecha de estreno:
19 de Mayo de 2017 
Duración:
103 min
País:
Estados Unidos
Director:
Jordan Peele
Reparto:
Daniel Kaluuya, Bradley Whitford, Allison Williams, Catherine Keener, Betty Gabriel,Caleb Landry Jones, Lyle Brocato, Ashley LeConte Campbell
Distribuidora:
Universal


Sabemos que la era iniciada en Estados Unidos post victoria de Donald Trump, ha hecho que ciertos temas eleven su nivel de sensibilidad al máximo. Siendo uno de ellos el tema racial, el fenómeno de crítica y de taquilla que se convirtió aquella tímidamente promocionada ópera prima de Jordan Peele, que asomó la cabeza en cartelera a finales de Febrero, bien podía estar algo viciada por la coyuntura. El post-Trumpismo en la industria norteamericana nos ha dado alegrías (como la victoria de la mejor ganadora del Oscar en años, Moonlight, que no podría haber ganado en un contexto diferente) y bastantes tristezas, como la proliferación de productos desechables portadores de críticas gruesas y no exentas de campañas políticas de por medio (pienso en el documental 13th de Netflix, por ejemplo). Sin embargo, “Déjame Salir” es otra de las inmensas alegrías y no sólo por la fresca forma que encuentra de transmitir una severa crítica social, sino por otros aspectos que iremos analizando paso a paso que nos demostrarán que Peele puede ser un gran nombre para el género en los años venideros.
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